MAHAN ESFAHANI - Domenico Scarlatti y la Ilustración española

Ficha Artística

Mahan Esfahani, clave

Programa

Domenico Scarlatti y la Ilustración española

I

Domenico Scarlatti (1685-1757)

Sonata en sol menor K.347

Sonata en sol mayor K.348

Sonata en fa sostenido mayor K.318

Sonata en fa sostenido mayor K.319

Juan Bautista Cabanilles (1644-1712)

Passacalles de primer tono WSC47

Cantallos (o Cantallops; c.1760-?)

Sonata en do mayor [c.1795]

Domenico Scarlatti

Sonata en si bemol menor K.197

Sonata en re mayor K.53

Sonata en la menor K.382

Sonata en la mayor K.268

Antonio Soler (1729-1783)

Sonata en fa sostenido mayor R 90

II

Domenico Scarlatti

Sonata en re mayor K.490

Sonata en re mayor K.491

Sonata en re mayor K.492

Antonio Soler

Sonata en do menor R 100

Sonata en do menor R 19

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788)

Fantasia en do mayor Wq. 59/6 [1784]

Domenico Scarlatti

Sonata en do sostenido menor K.247

Sonata en mi mayor K.215

Sonata en la mayor K.429

Notas

Si bien resulta anacrónico hablar de la influencia del flamenco en la música de Domenico Scarlatti, muchas de las tradiciones que sin duda conoció durante sus tres décadas en España finalmente se fusionaron más tarde, en el Romanticismo temprano, en lo que hoy se denomina imperfectamente “flamenco”. Resulta sumamente instructivo, tanto para el intérprete como para el oyente, examinar las sonatas a la luz de los estilos preflamencos que moldearon la conciencia musical de Scarlatti. Por ejemplo, la Sonata en re mayor K.490 es claramente una saeta, un lamento cantado al final de la Cuaresma acompañado de una sombría marcha en 4 (que aún se escucha en las famosas celebraciones de la Semana Santa sevillana); esta, a su vez, da paso a dos bailes festivos: la seguidilla (un vigoroso baile en 3) y la bulería (en compás compuesto, esencialmente 6/8). Estas dos últimas danzas se citan, respectivamente, en las Sonatas K.491 y K.492. Así, en un raro tríptico de sonatas, Scarlatti crea un cuadro andaluz con sonidos: ¡Goya avant la lettre! La K.53 en re mayor, por otro lado, es una sonata regia que representa la pompa colorida que Scarlatti habría presenciado en alguna de las innumerables ceremonias que ocupaban la corte española. La Sonata K.215 en mi mayor evoca, en el inicio de su segunda mitad, el tipo de técnicas de guitarra en las que una plétora de tonos sin acordes (acciaccature en la teoría italiana del bajo conitnuo) crea una oleada de color que impacta y deleita los oídos.

La presencia continua en España de la cultura artística morisca y ladina mucho después de la expulsión de dichas comunidades, junto con la difusión de dichas tradiciones por toda España por parte de los gitanos nómadas, sin duda causó una profunda impresión en el compositor a su llegada a España a finales de la década de 1720. Pero igualmente digno de consideración es el entorno intelectual español como centro de la Ilustración temprana. Con la ascensión de los monarcas de la Casa de Borbón al trono español en 1700, las ideas francesas inevitablemente se abrieron paso tanto en los círculos cortesanos como en los religiosos españoles. De hecho, los teólogos del siglo XVIII en el sur de Europa siguieron con avidez las últimas tendencias científicas e intelectuales, incluso si el Vaticano las tildaba oficialmente de contrarias al dogma eclesiástico. Así, muchos músicos –todos empleados en diversos grados por instituciones religiosas– estuvieron expuestos a una rica fusión de materialismo y espiritualidad explorada por la última generación de pensadores cartesianos franceses y españoles. Si bien el método cartesiano podría considerarse fríamente racional, la búsqueda de la comprensión del mundo natural mediante la observación y el razonamiento alberga en sí misma una esencia del ideal clásico posterior de la imitación de la naturaleza como forma de estudio. La tendencia de algunos compositores barrocos a crear obras que fueran un espejo del mundo (en lugar de una abstracción imaginada) no se basaba necesariamente en un ideal del ser humano inculto como la forma suprema de ser expresivo, sino en una respuesta crítica al potencial atomismo de Descartes y sus seguidores. Así, situar el elemento folclórico en el centro de la obra puede entenderse como el método de Scarlatti para elevar a sus semejantes en la Cadena del Ser medieval y como una forma de racionalizar el impacto transformador de la cultura ibérica en su propia conciencia.

Esta reflexión sonora de la humanidad fue continuada por el clérigo jerónimo Antonio Soler, quien durante su larga estancia en el monasterio real de El Escorial compuso unas 150 sonatas para teclado y mucho más. De nuevo, escuchamos influencias de la tradición popular, por ejemplo, la charrada salmantina en la Sonata en do sostenido menor R 21, una danza en 3/8 con un marcado énfasis en el segundo tiempo en la segunda mitad de la frase, mientras que citas de la jota aragonesa –repleta de castañuelas y bandurria– se pueden escuchar en la Sonata en fa sostenido mayor R 90. Que Soler fuera alumno de Scarlatti sigue siendo tema de debate, y la evidencia documental que respalda tal afirmación es bastante endeble. Asumir que su estilo testimonia la influencia directa de Scarlatti es considerar los hispanismos en la obra del compositor mayor como necesariamente originados exclusivamente por él, en lugar de haber sido adoptados del entorno estético existente en la música española. La obra de Juan Cabanilles, organista valenciano anterior a Scarlatti y Soler, atestigua concisamente esta tendencia en la música instrumental española a imitar los bailes populares y sus multifacéticas estructuras métricas; de hecho, el término pasacalles denota literalmente un baile callejero. Como ejemplo de música de la generación posterior, procedente de zonas más lejanas de Iberia, la Sonata en do menor de un tal Cantallos (compositor por lo demás desconocido para la historia) exhibe la influencia de la escuela Scarlatti/Soler de finales del siglo XVIII. En esta obra, bastante intrigante aunque breve, editada por el pianista cubano Joaquín Nin a partir de un manuscrito catalán, escuchamos la alternancia entre un compás ternario simple y uno compuesto, típico de la seguiriya gitana.

A pesar de la renovada confianza de la primera era del dominio borbónico, la España del siglo XVIII era una potencia imperial hegemónica que había superado con creces su apogeo. Sin embargo, sería erróneo considerarla un país completamente periférico, aislado de las tendencias europeas. La tendencia de los compositores españoles a aludir a las tradiciones populares no significa que la música culta española fuera folclórica, sino que se relacionaba con la misma mezcla intelectual primordial de la que se nutrían artistas como Haydn y Schubert. Al transformar y reinterpretar la cultura popular como parte de un todo artístico basado en un lenguaje musical elevado o relativamente abstracto, estos compositores exploraron una tensión dialéctica esencial entre lo particular y lo universal de una manera que deleita las emociones y conecta con el inconsciente colectivo.

© Mahan Esfahani

Biografía

Mahan Esfahani, clave

Mahan Esfahani se ha propuesto como meta vital rehabilitar el clave como instrumento de concierto, y para ello es el primer clavecinista en toda una generación en estar activo en prácticamente todas las áreas de la creación musical, abarcando desde grandes proyectos integrales de compositores de música antigua hasta el encargo de más de veinte nuevas obras solistas y concertantes para clave. Su interpretación de conciertos modernos y de nueva creación para clave, desde las primeras obras pioneras de Falla (1926), Martinů (1935) o Gerhard (1956) hasta las nuevas de Coll (2017), Ruders (2021), Srnka (2023) o Bryars (2023), lo han llevado a colaborar como solista con los principales directores de orquesta: François-Xavier Roth, Ilan Volkov, Ludovic Morlot, Leif Segerstam, Andrew Manze, Joshua Weilerstein, Jiří Bělohlavek, Yalda Zamani, Andris Poga, Ken-David Masur o Thierry Fischer.

Como clavecinista, Mahan ha ofrecido recitales en los principales ciclos y salas de conciertos, como el Wigmore Hall, el Carnegie Hall de Nueva York, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Musikverein de Viena, el Klavier Festival Ruhr, el Festival Internacional de Edimburgo, el Festival de Schleswig-Holstein, el Konzerthaus de Berlín, el Suntory Hall de Tokio, los BBC Proms, el Walt Disney Hall de la Filarmónica de Los Ángeles, la Fundación Juan March de Madrid, L’Auditori de Barcelona, ​​la Tonhalle de Zúrich y el Forbidden City Concert Hall de Pekín, llevando el clave más allá del ámbito de lo esotérico hacia nuevas áreas de apreciación que abarcan todos los ángulos de la vida concertística. Su trabajo con la música de nueva creación se ha extendido a colaboraciones con compositores destacados y emergentes del momento, como Gavin Bryars, Miroslav Srnka, Kaija Saariaho, Brett Dean, Poul Ruders, Daniel Kidane, Laurence Osborn, Francisco Coll, Anahita Abbasi, Atsuhiko Gondai, Marcus Rock o Nilufar Habibian.

La temporada 2025-26 marca varios hitos importantes en la trayectoria de Esfahani, en línea con su amplia gama de intereses. Como artista residente del BachFest de Leipzig 2026 mostrará su dedicación a la obra de J. S. Bach –cuya obra para teclado está grabando actualmente con gran éxito de crítica para Hyperion Records–, al tiempo que interpretará un papel escénico escrito especialmente para él en De una sola sangre, la nueva ópera de Brett Dean para la Bayerische Statsoper de Múnich bajo la dirección de Vladimir Jurowski. La temporada incluye también diversos encargos, entre ellos una pieza para conjunto de Calliope Tsoupaki para Esfahani y la Nederlandse Bachvereniging, un nuevo concierto de Julian Grant, una nueva obra solista de Nilufar Habibian para la Elbphilharmonie de Hamburgo y un encargo de Alberto Carretero como parte de un programa de cuatro conciertos modernos para clave español en el Festival Internacional de Música de Granada. Esfahani presentará además una serie de tres conciertos sobre la obra de Domenico Scarlatti en el Wigmore Hall de Londres, regresará a la Frick Gallery de Nueva York con El arte de la fuga de Bach, grabará conciertos de Gavin Bryars, Gary Carpenter y Caroline Shaw con la Royal Liverpool Philharmonic, y será curador invitado de música de cámara moderna, así como interpretará la totalidad de El clave bien temperado de Bach en la Filarmónica Checa.

La extensa discografía de Esfahani, además de la serie completa de obras para teclado de Bach para Hyperion/Universal, incluye un álbum de conciertos para clave checos del siglo XX para Hyperion, ganador del Opus Klassik 2023 en Berlín, una sonata de CPE Bach (Premio Gramophone 2014), la obra completa para teclado de Jean-Philippe Rameau (Mejor Grabación de 2014 para el New York Times) y el álbum Musique? de obras electroacústicas modernas para clave, incluido en la lista trimestral del Preis der deutschen Schallplattenkritik de 2021. Entre sus colaboraciones discográficas se incluyen el Brandenburg Project en BIS con la Orquesta de Cámara Sueca y Dausgaard, Les Citations de Dutilleux con la Sinfónica de Seattle y Ludovic Morlot, y cuatro álbumes con Michala Petri. La totalidad de estas actividades queda avalada por extensos artículos sobre su obra en The New York Times, Gramophone, De Volkskrant y otras publicaciones. En 2022 recibió el Premio Wigmore Hall.

Tras sus estudios en musicología e historia en la Universidad de Stanford, Esfahani estudió clave de forma privada en Boston con Peter Watchorn, antes de completar su formación con la célebre clavecinista checa Zuzana Růžičková. Después de un período de tres años como artista residente en el New College de Oxford, continúa sus actividades no musicales como profesor invitado en varios cursos internacionales y como comentarista cultural frecuente para publicaciones como The New Yorker, The Critic y Engelsberg Ideas. Nacido en Teherán en 1984 y criado en Estados Unidos, vivió durante varios años en Milán, Oxford y Londres antes de establecerse en Praga.

Imágenes

Mahan Esfahani (© Dolores Iglesias)

Mahan Esfahani (© Dolores Iglesias)

Mahan Esfahani (© Kaja Smith)